Film

Regìa:  Sebastiano Facco

Paese di produzione:  Italia

Anno: 2022

Genere: documentario, storico

Durata: 160 minuti

Lingua: Italiano

Sceneggiatura: Matteo Bozzi e Davide Savelli, con la collaborazione di Sebastiano Facco. Produttore: Alfredo Bini

Casa di produzione: Indigo Stories

Musiche: Ginevra Nervi

CAST

Toni Servillo: Dante, voce narrante

Federica Baù: Antonia, figlia di Dante

Chiara Gioncardi: voce di Antonia

Con gli interventi di: Alberto Casadei, Giuseppe Indizio, Nicola Lagioia, Sebastiana Nobili, Laura Pasquini, Giuseppe Indizio, Alma Poloni, Francesco Santi, Conte Sperello di Serego Alighieri.

TRAMA

Una ricostruzione degli ultimi venti anni di vita di Dante, quelli dell’esilio (1302-1321), effettuata con l’apporto di critici e studiosi.

Il punto di vista è quello di Antonia Alighieri , la figlia del poeta che conoscerà  il padre solo quando l’uomo sarà in punto di morte, a Ravenna. La narrazione si snoda tra flussi di coscienza, epistole, commoventi soliloqui che entrano nel vivo di un non-rapporto, fatto di amore e lontananza insieme. La risposta avviene attraverso della Divina Commedia, del Convivio, delle Rime con la voce fuori campo di Toni Servillo.

“L’amor che move il sole e l’altre stelle”… a leggerci il noto stralcio della terza e ultima cantica è proprio lei, Antonia, riappacificata – ci piace pensare – con quel padre assente, mentre, nel Monastero di Santo Stefano degli Ulivi, è sul punto di prendere i voti con il nome di Beatrice. 

NOTE

La regìa di Facco fa largo uso di potenti immagini naturalistiche come il magma di un vulcano, la volta del cielo, l’acqua resa rossa da erbe. Accanto a queste immagini d’arte che vanno dall’iconografia medioevale, ai mosaici ravennati, ai capolavori di Giotto, alle litografie di Gustave Doré.

Descrivendo la su opera Sebastiano Facco scrive:

 “Questo è un docu–film che non racconta il solito Dante che si studia a scuola; ma il Dante intimo, il Dante uomo del suo tempo; il Dante incapace di dire una parola per sua moglie e sui suoi cinque figli ma in grado di scrivere intere opere per una donna con cui non ha mai avuto una relazione. L’intenzione è quella di avvicinare anche i ‘profani all’opera e alla vita del poeta; un racconto più suggestivo che didascalico, che cerca di superare le ‘versioni ufficiali’ con approfondimenti poco toccati dalla vulgata comune. L’obiettivo è quello di rivalutare la figura di Dante e riscoprire il significato di un capolavoro che non conosce i limiti del tempo. È la storia di un uomo e della sua opera. Un’opera – ‘La Divina Commedia’ – al tempo stesso metafora della vita di Dante e della stessa esistenza umana, scritta per vendetta e rivalsa e destinata a rimanere nella Storia”.

L’obiettivo viene raggiunto in modo corretto, gradevole e, a volte, toccante.

Titolo originale: Mamma Roma

Regia: Pier Paolo Pasolini

Paese: Italia

Anno: 1962

Genere: Drammatico

Durata: 102 min

Lingua: Italiano

Soggetto: Pier Paolo Pasolini

Sceneggiatura: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti

Montaggio: Nino Baragli

Musiche: Antonio Vivaldi, dirette da Carlo Rustichelli

Produttore: Alfredo Bini

Produttore esecutivo: Alfredo Bini

Casa di produzione: Cineriz

Distribuzione in italiano: Cineriz

CAST

 Anna Magnani: Roma Garofolo

Ettore Garofolo: Ettore Garofolo

Franco Citti: Carmine

Silvana Corsini: Bruna

Luisa Loiano: Biancofiore

Paolo Volponi: il prete

Luciano Gonini: Zaccaria

Vittorio La Paglia: il signor Pellissier

Piero Morgia: Piero

Leandro Santarelli: Begalo, il Roscio

Emanuele di Bari: Gennarino il Trovatore

Antonio Spoletini: un pompieretto

Nino Bionci: un pittoretto

Roberto Venzi: un avieretto

Nino Venzi: un cliente

Maria Bernardini: la sposa

Santino Citti: padre della sposa

TRAMA

Mamma Roma è una prostituta romana decisa a cambiare vita. L’occasione le si presenta quando il suo protettore, Carmine, convola a nozze e, di fatto, la libera da ogni legame di possesso. Mamma Roma ha un figlio, Ettore, ignaro della professione della madre, per il quale pare disposta ad atti di amore smisurato. Donna di grande temperamento e di inesauribile forza, con i soldi risparmiati, allestisce un carretto di verdura in un mercato di piazza e si trasferisce con il figlio in un piccolo appartamento alla periferia di Roma. Qui, secondo i sogni della madre, Ettore potrà ottenere il riscatto della propria condizione di sottoproletario e trovarsi un lavoro rispettabile.

Ettore cresce nel nuovo ambiente, legandosi ad una compagnia di borgatari che organizzano piccoli furti. Si invaghisce di Bruna, una ragazza più grande di lui e con un figlio e inizia una relazione con lei. Mamma Roma decide di interrompere il rapporto e, con un inganno, ottiene che il figlio venga assunto in una trattoria di Trastevere. Pare riuscire nel suo intento quando ricompare Carmine che la costringe a prostituirsi di nuovo. Quando viene a sapere da Bruna del mestiere della madre, Ettore rientra nel brutto giro della piccola malavita. Arrestato per aver rubato una radiolina a un ricoverato d’ospedale, morirà invocando la madre, legato a un letto di contenzione. Appena saputo della sorte del figlio, Mamma Roma corre a casa e si getta, disperata, sul letto di Ettore abbracciando i vestiti usati del figlio; tenta poi di gettarsi dalla finestra della stanza, ma viene fermata in tempo.

NOTE

Nel film il riferimento più scoperto è quello alla estrema e più degradata periferia di Roma come luogo infernale.

La densa citazione è quella del IV canto dell’Inferno: “Ruppemi l’alto sonno…. il poeta tutto smorto” (vv. 1-14), recitata da un detenuto nell’infermeria del carcere dove è ricoverato Ettore. E non v’è dubbio che quel luogo sia un inferno nell’inferno, senza alcuna speranza di uscita.

Il legame madre-figlio, causa ed effetto, sono presenti nelle liriche Ballata delle Madri e Supplica a mia madre, che compose proprio negli stessi anni in cui girò Mamma Roma.

Come ogni opera di Pasolini, Mamma Roma fece subito parlare di sé, poiché denunciava un evento realmente accaduto, la morte di Marcello Elisei, un giovane di 18 anni, deceduto nel carcere di Regina Coeli, dopo 24 ore di agonia, legato e lasciato senza cibo e acqua. Aveva la broncopolmonite, ma non venne soccorso dalla polizia penitenziaria. Era il 29 novembre 1959.

Titolo originale: Salò o Le 120 Giornate di Sodoma

Regia: Pier Paolo Pasolini

Paese: Italia- Francia

Anno: 1975

Genere: Grottesco- Drammatico

Durata: 145 min (versione originale)

Lingua: Italiano

Soggetto: Pier Paolo Pasolini (da Le 120 giornate di Sodoma del Marchese de Sade e dagli scritti di Roland Barthes e Pierre Klossowski)

Sceneggiatura: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti, Pupi Avati

Montaggio: Nino Baragli, Tatiana Casini Morigi, Enzo Ocone

Musiche: Pier Paolo Pasolini, Ennio Morricone

Produttore: Alberto Grimaldi

Casa di produzione: Cineteca di Bologna

Distribuzione in italiano: Cineteca di Bologna

CAST

Paolo Bonacelli: Duca

Giorgio Cataldi: Monsignore

Uberto Paolo Quintavalle: Eccellenza

Aldo Valletti: Presidente

Caterina Boratto: signora Castelli

Elsa De Giorgi: signora Maggi

Hélène Surgère: signora Vaccari

Sonia Saviange: pianista

Marco Lucantoni, Sergio Fascetti, Bruno Musso, Antonio Orlando, Claudio Cicchetti, Franco Merli,

Umberto Chessari, Lamberto Book, Gaspare Di Jenno: vittime maschili

Giuliana Melis, Faridah Malik, Graziella Aniceto, Renata Moar, Dorit Henke, Antiniska Nemour,

Benedetta Gaetani, Olga Andreis: vittime femminili

Tatiana Mogilansky, Susanna Radaelli, Giuliana Orlandi, Liana Acquaviva: figlie

Rinaldo Missaglia, Giuseppe Patruno, Guido Galletti, Efisio Etzi: soldati

Claudio Troccoli, Fabrizio Menichini, Maurizio Valaguzza, Ezio Manni: collaborazionisti (repubblichini di leva)

Paola Pieracci, Carla Terlizzi, Anna Maria Dossena, Anna Recchimuzzi: ruffiane

Ines Pellegrini: serva nera

TRAMA

«Mi sono accorto tra l’altro che Sade, scrivendo pensava sicuramente a Dante. Così ho cominciato a ristrutturare il film in tre bolge dantesche» (Pier Paolo Pasolini)

Il film è suddiviso in quattro parti: Antinferno, Girone delle Manie, Girone della Merda e Girone del Sangue. Quattro Signori, rappresentanti dei poteri della Repubblica Sociale Italiana, il Duca (potere di casta), il Vescovo (potere ecclesiastico), il Presidente della Corte d’Appello (potere giudiziario), e il Presidente della Banca Centrale (potere economico), incaricano le SS e i soldati repubblichini di rapire un gruppo di ragazzi e ragazze di famiglia antifascista; dopo una severa selezione, si chiudono con loro in una villa di campagna, arredata con opere d’arte moderna e presidiata da un manipolo di soldati nazifascisti. Con l’aiuto di Quattro Megere ex meretrici di bordello, instaurano per centoventi giornate una dittatura sessuale regolamentata da un puntiglioso Codice, che impone ai ragazzi assoluta e cieca obbedienza, pena la morte. Le Megere (tre narratrici e una pianista) guideranno le giornate raccontando le proprie specialità sessuali nella Sala delle Orge. Nell’Antinferno i Signori sottoscrivono le norme del Codice con un patto di sangue, sposando ciascuno la figlia di un altro; quindi, suddividono le giovani “prede” in quattro gruppi: vittime, soldati, collaborazionisti, servitù. Nel Girone delle Manie, i Signori, eccitati dai racconti feticisti della Signora Vaccari, seviziano ripetutamente i ragazzi, fino a farli stare nudi a quattro zampe, latranti come cani, dando loro in pasto polenta riempita di chiodi. Nel Girone della Merda, affidato alle perversioni anali della Signora Maggi, le vittime apprendono l’arte di farsi sodomizzare con gratitudine e partecipano a un pantagruelico pranzo la cui portata principale è costituita dalle proprie feci. Nel Girone del Sangue, instillando un meccanismo di mutua delazione tra i ragazzi, i Signori designano le vittime dello strazio finale. In una sequenza di efferatezze e riti profani, tra torture, sevizie, amputazioni e uccisioni perpetrate sulla base di una sorta di dantesca pena del contrappasso, Signori e collaborazionisti si cimentano in balletti isterici e atti di sesso necrofilo. Mentre la carneficina è in corso, due giovani guardie, sulle note d’una canzonetta trasmessa dalla radio, accennano timidamente qualche passo di valzer.

NOTE

E il film è intriso di riferimenti e citazioni dantesche.

I riferimenti riguardano, in primo luogo, la struttura all’interno della quale si muovono i personaggi:

– la presenza di Antinferno e gironi (Girone delle Manie; Girone della Merda; Girone del Sangue);

– la violenza e il vizio: tutte le vicende hanno come protagonisti episodi di cruenta violenza e i vizi capitali. Ogni girone sottolinea, con scene molto crude, un vizio specifico (ira, gola, lussuria);

– la nudità: i prigionieri sono sempre completamente nudi, come le anime dantesche.

– il codice: la presenza di una serie di regole che i prigionieri devono seguire in modo ferreo:

“Deboli creature incatenate, destinate al nostro piacere, spero non vi siate illuse di trovare qui la ridicola libertà concessa dal mondo esterno. Siete fuori dai confini di ogni legalità. Nessuno sulla Terra sa che voi siete qui. Per tutto quanto riguarda il mondo, voi siete già morti.”

– la numerologia: se nella Commedia è il numero 3 a presiedere l’organizzazione, qui domina il  numero 4. Quattro sono le parti (Antinferno; Girone delle Manie; Girone della Merda; Girone del Sangue); 4 i Signori (Duca; Vescovo; Presidente della Corte d’Appello e Presidente della Banca Centrale); 4 Meretrici che raccontano le proprie esperienze. Multiplo di 4 anche il numero presente nel titolo: 120.

Le citazioni sono da riferire, in particolare,

• al lessico:
• ai termini usati per designare luoghi e personaggi;
• ai suoni: a lato della voce dei personaggi nei dialoghi, sono presenti grida, gemiti, suoni bestiali, “alti guai”.

Per approfondimenti cfr. Emanuela Patti, Pasolini After Dante. The ‘Divine Mimesis’ and the Politics of Representation, Oxford, Legenda, 2015.

EV

Regìa:  Pier Paolo Pasolini

Paese di produzione:  Italia, Francia

Anno:   1964

Genere: Drammatico, storico

Durata: 137 min

Dati tecnici:    B/N

Lingua: Italiano

Soggetto: Vangelo secondo Matteo

Sceneggiatura: Pier Paolo Pasolini

Produttore: Alfredo Bini

Casa di produzione:    Arco Film (Roma) / Lux Compagnie Cinématographique de France (Parigi)

Distribuzione in italiano: Titanus Distribuzione S.p.A.

Fotografia: Tonino Delli Colli

Montaggio: Nino Baragli

Musiche:  Luis Bacalov; estratti da Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Sergej Prokofiev, Anton Webern e canti gospel

Scenografia:   Luigi Scaccianoce, Dante Ferretti

Costumi: Danilo Donati

CAST

Enrique Irazoqui: Cristo

Margherita Caruso: Maria da giovane

Susanna Pasolini: Maria anziana

Marcello Morante: Giuseppe

Mario Socrate: Giovanni Battista

Settimio Di Porto: Pietro

Otello Sestili: Giuda Iscariota

Ferruccio Nuzzo: Matteo

Giacomo Morante: Giovanni apostolo

Giorgio Agamben: Filippo

Luigi Barbini: Giacomo di Zebedeo

Amerigo Bevilacqua: Erode il Grande

Francesco Leonetti: Erode Antipa

Eliseo Boschi: Giuseppe di Arimatea

Ninetto Davoli: un pastore

Natalia Ginzburg: Maria di Betania

Enzo Siciliano: Simone

Alessandro Tasca: Ponzio Pilato

Paola Tedesco: Salomè

Rosario Migale: Tommaso

Alfonso Gatto: Andrea

TRAMA

Il film è una fedele rilettura del Vangelo secondo Matteo dal momento dell’Annunciazione alla Resurrezione di Gesù, ambientata fra i sassi di Matera, che gli permettono una trasposizione del mondo antico nel mondo moderno. La narrazione rimanda a una visione paleocristiana che nega ogni fiducia alla Chiesa come istituzione di potere, recuperando valori che appartengono ad altre ideologie, prima fra tutte il marxismo. Il suo Cristo eremita è il predicatore di una verità radicale, e la sua parola prende forma dalla lingua scritta della realtà; è una figura di Cristo più umana che divina, un uomo con moltissimi tratti di dolcezza, che reagisce con violenza all’ipocrisia e alla falsità.

NOTE

Il riferimento, in questo caso, è alla scrittura della Commedia e alla figura di Dante:

“Nei primi anni Sessanta, invece, Dante è diventato fonte di ispirazione di un certo “realismo figurale” nel cinema pasoliniano a partire dai concetti di figura e “contaminazione degli stili” di Erich Auerbach – come emerge chiaramente nella fase “nazional-popolare” del suo cinema che va da Accattone (1961) a Il Vangelo secondo Matteo (1964). In questi film la contaminazione degli stili, tradotta in ibridazione di pittura, musica, letteratura ed immagini in movimento, ha consentito associazioni semiotiche piuttosto radicali tra cultura alta e cultura bassa e, nello specifico, tra la figura di Cristo e quella del sottoproletariato. Sulla base di queste premesse, l’ipotesi di questo libro è che Pasolini abbia trovato in Dante — e più precisamente in alcune interpretazioni critiche della sua opera (in particolare quelle di Contini ed Auerbach) — un modello con cui rispondere, in ambito artistico, ad una domanda estetico-politica di grande rilevanza per il suo tempo: la rappresentazione dell’altro, il popolo. Che cosa significa “popolare” in poesia, narrativa, cinema? E qual è il ruolo dell’intellettuale/poeta che vuole rappresentare il popolo in modo realistico?

In questo discorso, è chiaramente cruciale per Pasolini la connessione tra l’esempio di Dante e quello di Cristo, in quanto entrambi rappresentano, come ricorda Auerbach, gli esempi, per eccellenza, di radicale contaminazione tra cultura “alta” e cultura “bassa”, tra la parola e la carne”. (Emanuela Patti, Pasolini After Dante. The ‘Divine Mimesis’ and the Politics of Representation, Legenda, Oxford, 2015).

Indica la chiave di lettura lo stesso Pasolini:

“La mia lettura del Vangelo non poteva che essere la lettura di un marxista, ma contemporaneamente serpeggiava in me il fascino dell’irrazionale, del divino, che domina tutto il Vangelo. Io come marxista non posso spiegarlo e non può spiegarlo nemmeno il marxismo. Fino a un certo limite della coscienza, anzi in tutta coscienza, è un’opera marxista: non potevo girare delle scene senza che ci fosse un momento di sincerità, intesa come attualità. Infatti, i soldati di Erode come potevo farli? Potevo farli con i baffoni, i denti digrignanti, vestiti di stracci, come i cori dell’opera? No, non li potevo fare così. Li ho vestiti un po’ da fascisti e li ho immaginati come delle squadracce fasciste o come i fascisti che uccidevano i bambini slavi buttandoli in aria”.

Dedicato “alla cara, lieta e familiare memoria di Giovanni XXIII”. Premio speciale della giuria e altri 3 collaterali, tra cui quello dell’OCIC (cattolico) a Venezia; 3 Nastri d’argento 1965 (regia, fotografia, costumi); 3 candidature a Premi Oscar.

Titolo originale: Ginger e Fred

Regia: Federico Fellini

Paese: Italia

Anno: 1986

Genere: Commedia, Drammatico, Satirico

Durata: 125 min

Lingua: Italiano

Soggetto: Federico Fellini

Sceneggiatura: Federico Fellini, Tonino Guerra, Tullio Pinelli

Montaggio:      Nino Baragli, Ugo De Rossi, Ruggero Mastroianni

Musiche: Nicola Piovani

Produttore: Alberto Grimaldi

Produttore esecutivo: Alberto Grimaldi

Casa di produzione: Istituto Luce

Distribuzione in italiano: Istituto Luce

CAST

Giulietta Masina: Amelia Bonetti/Ginger

Marcello Mastroianni: Pippo Botticella/Fred

Franco Fabrizi: presentatore Tv

Ezio Marano: l’intellettuale

Totò Mignone: Totò

Jacques Henri Lartigue: Frate volante

Augusto Poderosi: Travestito

Friedrich von Ledebur: Ammiraglio Aulenti

Barbara Herrera: Conchita

Alessandra Panelli: Casalinga

Danika La Loggia: madre rapita

Antoine Saint-John: uomo bendato

Friedrich von Thun: industriale rapito

Antonino Iuorio: ispettore di produzione

Barbara Scoppa: prima giornalista

Elisabetta Flumeri: seconda giornalista

Salvatore Billa: Clark Gable

Ginestra Spinola: chiromante

Stefania Marini: segretaria televisiva

Francesco Casale: Mafioso

Gianfranco Alpestre: avvocato rapito

Filippo Ascione: pianista

TRAMA

Amelia Bonetti e Pippo Botticella in arte Ginger e Fred sono due attempati ballerini di tip-tap, da molto tempo fuori dal giro.

Ginger e Fred vengono coinvolti da una TV privata in una sorta di “operazione nostalgia”, per la serata di Natale. Mentre Amelia è diventata una signora borghese benestante, vedova, proprietaria di una piccola azienda, ancora in forma, Pippo appare in situazione più precaria: bisognoso di soldi, ha problemi con l’alcool e non sembra in buona salute. Pippo, che ha un atteggiamento da contestatore, vorrebbe alla fine del loro numero fare un intervento fuori programma molto critico sull’attuale società, ma poi rinuncia all’idea. Quando i due vengono chiamati sul palco si verifica un blackout che interrompe il loro numero: Fred, confabulando con Ginger sull’insensatezza della loro presenza al programma, la convince ad andarsene dal palco. Ma, mentre stanno uscendo, torna la luce e i due riprendono il loro numero di ballo, terminandolo con molta fatica e ricevendo alla fine un tiepido applauso. Quando si congedano, Amelia presta soldi a Pippo e l’invita a venirla a trovare: ma la sensazione è che non si rivedranno mai più.

NOTE

La presenza di Dante, nelle scene iniziali del film, è di duplice natura: la quantità esorbitante di cartelloni pubblicitari – grotteschi, mendaci e spesso volgari – rappresentano un riferimento alla selva oscura della Commedia. Da questa selva oscura dovrà uscire Dante (è il secondo riferimento, al personaggio)  con un orologio di marca “Beatrix”. La pubblicità viene  trasmessa da un piccolo monitor sistemato sul cruscotto di un pulmino, su cui sale Ginger alla stazione.

Per il rapporto di Fellini con Dante cfr.: Fellini & Dante. L’aldilà della visione. Atti del Convegno Internazionale di Studi. Ravenna, 29-30 maggio 2015, Sagep 2016.

E.V.

Titolo originale: Amarcord

Regia: Federico Fellini

Paese: Italia- Francia

Anno: 1973

Genere: Commedia drammatica

Durata: 123 min

Lingua: Italiano

Soggetto: Federico Fellini; Tonino Guerra

Sceneggiatura: Federico Fellini, Tonino Guerra

Montaggio: Ruggero Mastroianni

Musiche: Nino Rota

Produttore: Franco Cristaldi

Produttore esecutivo: Franco Cristaldi

Casa di produzione: F.C. Produzioni, P.E.C.F.

Distribuzione in italiano: P.I.C

CAST

Pupella Maggio: Miranda Biondi

Armando Brancia: Aurelio Biondi

Magali Noël: Ninola detta “Gradisca”

Ciccio Ingrassia: Teo

Nando Orfei: Lallo

Luigi Rossi: Avvocato

Bruno Zanin: Titta Biondi

Gianfilippo Carcano: Don Balosa

Josiane Tanzilli: Volpina

Maria Antonietta Beluzzi: tabaccaia

Giuseppe Ianigro: nonno

Marcello Di Falco: principe

Alvaro Vitali: Naso

Ferruccio Brembilla: capo fascista

TRAMA

La vicenda narra la vita che si svolge nel borgo di Rimini da una primavera all’altra, nei primi anni Trenta. Un anno esatto di storia, dove si assiste ai miti, ai valori e al quotidiano di quel tempo attraverso gli abitanti della provinciale cittadina: la provocante parrucchiera Gradisca, la ninfomane Volpina, una tabaccaia formosa, un ampolloso avvocato dalla facile retorica, un emiro dalle trenta concubine, il matto Giudizio e un motociclista esibizionista. Tutti loro interagiscono col folklore delle feste paesane, le adunate del sabato fascista, attendono al chiaro di luna il passaggio del transatlantico Rex e la famosa gara automobilistica delle Mille Miglia. Ma i veri protagonisti sono i sogni ad occhi aperti dei giovani del paese, presi da una prepotente esplosione sessuale: tra questi adolescenti emerge Titta, che cresce subendo condizionamenti sia fuori che dentro le mura domestiche. La sua vita si divide tra l’inarrivabile Gradisca, i grossi seni della tabaccaia e i balli d’estate al Grand Hotel spiati da dietro le siepi.

NOTE

La presenza dantesca è costituita da una citazione natura iconica: un grande poster di Dante fa capolino dietro le spalle della tabaccaia, e serve a dare un senso più preciso al personaggio di Titta Biondi. Fellini fu esposto a molte richieste affinché realizzasse un film sull’Inferno di Dante, con il suo stile narrativo visionario e surreale: il film non fu mai realizzato, anche se il poeta è richiamato anche in altre pellicole, come la Dolce vita.

Per il rapporto di Fellini con Dante cfr.: Fellini & Dante. L’aldilà della visione. Atti del Convegno Internazionale di Studi. Ravenna, 29-30 maggio 2015, Sagep 2016.

E.V.

Titolo originale: The sky over Ribeira

Regia: Marco Martinelli

Paese: Italia

Anno: 2019

Genere: Drammatico

Durata: 53 min.

Audio: Inglese e Swahili

Soggetto: Marco Martinelli e Ermanna Montanari

Consulente alla sceneggiatuta:  Riccardo Bonacina

Fotografia: Julien Hirsch, Jean-Christophe Beauvallet, Izet Kutlovac, Blaise Bauquis, Fabrice Dequeant.

Musica originale: Daniele Roccato

Montaggio: Francesco Tedde

Produzione: Ravenna Teatro / Teatro delle Albe

in collaborazione con: Fondazione AVSI, Vita non profit magazine, Kamera Film, Antropotopia

Produttore esecutivo: Alessandro Cappello

Distribuzione: Maria Martinelli

Premio al volontariato – Costruttori del Bene Comune 2019 per la sezione “Cultura”, conferito dal Senato della Repubblica

CAST

150 bambini e adolescenti delle scuole di Nairobi (Kenia) Little Prince School, Ushirika Centre, Cardinal Otunga High School, Urafiki Carovana Primary School.

TRAMA

Il film racconta il laboratorio ispirato alla Divina Commedia tenuto nel 2018 a Kibera (Nairobi), una delle più grandi baraccopoli africane, il cui nome significa, in swahili, selva.

Martinelli intreccia alle riprese dello spettacolo altre immagini, con l’obiettivo di trasformare il teatro in cinema. Tre adolescenti prestano volto e voce a Dante, Virgilio e Beatrice, i personaggi che guidano lo spettatore nella “selva oscura”, popolata da ladri, assassini, politici corrotti e millantatori, e diavoli. Nella selva poeti indicano la via della salvezza attraverso anti, danze, recitazioni.

NOTE

La Divina Commedia viene utilizzata “come un archetipo narrativo universale, un classico che rivive nella pelle e nei giovani dello slum”. La narrazione del docu-film, in realtà si avvale di scenari infernali; ma la tramatura che si legge in filigrana è da riferire all’intero cammino di Dante che raggiunge, nel finale, la salvezza.

Dal film:

“Da dove vengono tutte queste luci in questo cuore di tenebra; da dove arriva tutta questa bellezza in questo posto di abbrutimento apparente che è Kibera?  Tutto ciò deriva da tre elementi: una ong che si chiama AVSI, la Divina Commedia e il teatro, il teatro che salva”.

“Il male peggiore è essere un bambino di strada… male che supera lo stesso Lucifero, abbiamo superato Dante, come malvagità”.

“La performance corale è un flusso di evocazioni poetiche canore e coreografiche; i simbolismi, come ad esempio la presenza delle fiere sono ridotti all’essenziale. Per lo più si tratta di un caleidoscopio di situazioni realistiche”

Sigla finale: “Che il teatro non sopravviva… ma viva!”

Titolo originale: Dis

Regia: Adrian Corona

Paese: USA

Anno: 2017 (uscito in Messico il 30 settembre 2018)

Genere: Horror

Sceneggiatura: Adrian Corona

Durata: 1 h e 1 mn

Fotografia: Rocco Rodriguez

Produzione: Adrian Corona

Distribuzione: Maximiliano Czertok

CAST

Bill Oberst Jr.: Ariel

Lori Jo Hendrix: Sophia

Peter Gonzales Falcon: Orlando

Manuel Domínguez

Anne Voitsekhova.

TRAMA

Ariel è un ex soldato dal passato sanguinario che si avventura in un bosco in cui vive una figura demoniaca che usa le sue vittime per nutrire il suo giardino di mandragora. Il film si apre con una ragazza nuda, legata con delle catene, che viene toccata e torturata da una figura inquietante e misteriosa, che non dice neanche una parola. La scena finisce con la morte della giovane e con la raccolta del suo sangue, che nutrirà la pianta. La narrazione continua con una serie di pene atroci inflitte a malcapitati dalla figura demoniaca padrona di un angolo del mondo in cui regna solitario e incontrastato il dolore.

La vicenda è al di fuori di un tempo e di uno spazio definiti; ha pochissimi dialoghi (i primi 20 minuti ne sono privi), ma un uso impeccabile dei colori e un buon dosaggio di elementi magici. In climax ascendente, l’ansia che è capace di creare nello spettatore, a partire dalla scena iniziale.

NOTE

Dis (Dite) è un horror che fa riferimento ad atmosfere e suggestioni derivate dal poema dantesco (la “selva oscura”, il demone, le torture inflitte…). Palesi le citazioni, a partire dal nome della città di Dite.

Dis è stato premiato come Best Extreme Feature Film e ha ricevuto gli award Best Actor (Bill Oberst Jr.) e Best Evil Character (Manuel Dominguez) al DarkVeins Horror Fest 2017.

Bill Oberst Jr. ha ricevuto inoltre l’award Best Actor e il premio speciale Horror Icon al The Optical Theatre 2017.

RECENSIONI

“Adrian Corona truly delivered with this, it’s an experimental film but it doesn’t come across as pretentious in any way, it’s quite euphoric in parts and yet psychologically challenging in others. It makes you think but also leaves you almost disoriented, much like if you spin-around and suddenly stop, but after a while it comes to you.” Chris Savage, Horror-Movies.ca

“And as graphic as the film is […] someone (Rodriguez and/or Corona) clued in that those mid and long-shots ala The Texas Chainsaw Massacre makes for a different viewer involvement and reflection than the extreme (and often unnecessary) close-up.” Michael Rajnovic, Film Guinea Pig

Titolo originale: Dante’s Inferno

Regia: Ron Howard

Paese: USA

Anno: 2016 (13 ottobre in Italia)

Genere: Drammatico

Durata: 121 mn.

Colore: Colore

Audio: Sonoro

Musiche: Hans Zimmer

Fotografia: Salvatore Totino

Sceneggiatura: David Koepp

Scenografia: Peter Wenham

Montaggio: Ton Elkins, Daniel P. Hanley

Effetti speciali: Jody Johnson, Double Negative, Instinctual VFX, Territory

Costumi: Julian Day

Produttore: Ron Howard, Brian Grazer

Produzione: Imagine Entertainment, Columbia Pictures, LStars Capital

Distribuzione (Italia): Warner Bros. Italia

CAST

Robert Langdon: Tom Hanks

Sienna Brooks: Felicity Jones

Bertrand Zobrist: Ben Foster

Christoph Bouchard : Omar Sy

Harry “il Rettore” Sims:Irrfan Khan

Elizabeth Sinskey: Sidse Babett Knudsen

Parker: Fausto Maria Sciarappa

Vayentha: Ana Ularu

Martha Alvarez: Ida Darvish

Capo della polizia: Vincenzo Tanassi

Rogue Bruder: Christian Stelluti

Guida turistica: Francesca Inaudi

Guardia nel museo: Fortunato Cerlino

Guardia nel museo: Vincent Tiotta

TRAMA
Il Robert Langdon, professore di simbologia all’Università di Harvard, si risveglia in un ospedale di Firenze, vittima di una profonda amnesia, dopo che alcuni uomini misteriosi hanno tentato di ucciderlo. Si affida alla dottoressa Sienna Brooks per recuperare i suoi ricordi, mentre – tra inseguimenti, sequestri e fughe -ha intermittenti visioni dell ‘Inferno di Dante, legate, in particolare, alla struttura dell’Inferno disegnata da Botticelli. Il Consortium, un’organizzazione segreta, è il nemico da sconfiggere: ma non è il solo. Un terribile virus è l’oggetto della contesa: nel finale questo viene recuperato e definitivamente sigillato.

Il film si chiude sulla visita di Langdon a Palazzo Vecchio, dove rimette la maschera di Dante al suo posto, per allontanarsi definitivamente.

NOTE
Il film è tratto  dal libro di Dan Brown, Inferno, il quarto ad avere il professor Robert Langdon come protagonista. Uscito il 14 maggio 2013, il romanzo è stato subito prelazionato dalla Sony Pictures Entertainment per la trasposizione cinematografica. Il cast è stato annunciato nel febbraio 2015

Le riprese si sono svolte tra Firenze, Venezia e Budapest. La prima si è tenuta a Firenze l’8 ottobre 2016 e il film è uscito nelle sale il 13 ottobre.

La trasposizione presenta alcune differenze. Legata allo sviluppo narrativo, la più significativa è la diffusione del virus, presente nel romanzo sin dall’inizio, mentre nel film la sacca che lo contiene si rompe nelle fasi finali, ma senza contaminare. Legata  a una visione complessiva dei personaggi e alla loro caratterizzazione, invece, l’importanza data nel romanzo al movimento del Transumanesimo, cui aderiscono Bertrand Zorbist e Sienna Brooks.